Árdua tarefa tentar descrever um ser peculiar como Juvenil Silva. Aura despretensiosa de artista, veia de poeta, prosa (boa) de trovador. É alma pernambucana, carne de Carnaval, casca rachada de caranguejo. E por falar em prosa, como é bom debruçar-se sobre as reflexões nada juvenis do “compositor, tocador e cantante”, como define a bio de sua conta no Instagram. É bom ouvi-lo filosofar sobre os efeitos da pandemia em nós mesmos e sobre seus discos, ou melhor, sobre seus “álbuns de fotografias abstratas”.
Juvenil nasceu autodidata e já trocou uma bicicleta por um contrabaixo, quando criança. Iniciou sua trajetória na banda Canivetes, foi agitador cultural por uma década no A Noite do Desbunde Elétrico (conhecido como “o festival anual de rock independente ou a noite mais doida do ano”, em Recife) e atualmente concilia três projetos paralelos (Avoada, Dunas do Barato e A Banda dos Corações Selvagens). Além de seu trabalho solo, ainda comanda seu próprio selo musical e é idealizador de projetos como o Discos Offline ou Vende-se Música. É um acumulador de funções artísticas e um aglutinador nato.
Não é fácil também seguir trilhando um caminho musical há mais de duas décadas pela cena independente. E se tem uma coisa que Juvenil sabe, é ser livre, seguir como um pássaro seus próprios fluxos estéticos e não se dobrar a nenhuma tendência migratória. Talvez o artifício sejam as “canções coracionais” desse eterno psicodélico. Por ora, seus próximos voos reservam o lançamento do primeiro disco de seu projeto coletivo Avoada e de seu quinto álbum solo.
Esta conversa sem pressa, “sem relógios”, como o nome de seu single mais recente, reflete algumas considerações da mente criativa e do coração generoso desse sujeito consciente e engajado, amante das plantas, dos gatos e da arte – no sentido mais genuíno da palavra. Um encontro do Juvenil menino com o Juvenil maduro celebrado em nossa Pequena Sabatina ao Artista.
Juvenil Silva / Foto: Raissa Vila Nova
DA – Praticamente 9 meses (uma gestação inteira) separam o lançamento de Lonjura (2021), seu álbum mais recente, do seu retorno “oficial” aos palcos. Qual o impacto dessa distância (ou dessa “lonjura”) entre o lançamento do disco e a retomada dos shows com público?
JUVENIL SILVA – Pra ser franco, ainda não me sinto de volta. Não sinto esse “retorno oficial aos palcos”. Não como antes, talvez nunca seja como antes, talvez seja melhor algum dia, ou mesmo parecido. Mas no momento ainda me sinto dentro dessa “Lonjura”. Por exemplo, o EP foi lançado, mas nunca executado ao vivo. Nunca houve show de lançamento. De algumas pequenas apresentações que tenho feito, ainda não sinto algo forte, real, presente. Acredito que isso se deve mais a mim mesmo. Às vezes, a gente vai tão longe lá dentro que fica sem saber por onde, nem como voltar. Mas por ora, tô mais interessado em ir, seguir. Só pra ver no que vai dar.
DA – Apesar do isolamento social no qual foi concebido, o Lonjura teve inúmeras parcerias. Você ainda pretende fazer um show/turnê de lançamento? Ou você acredita que este EP em particular funcionou como uma espécie de registro, um recorte desse momento introspectivo pelo qual todos nós passamos (e ainda carregamos sequelas)? Qual o significado desse disco para você?
JUVENIL SILVA – Sim, meus discos são recortes do tempo, álbuns de fotografias abstratas. Espelhos emocionais do subconsciente. Sobre a produção do EP, é mais sobre um mergulho prazeroso nas possibilidades do que um aperreio com as dificuldades que o isolamento trouxe. Explorei ao máximo isso de gravar com vários músicos, cada faixa traz uma galera diferente e de lugares distintos. Algo que antes era mais resumido a ensaiar com uma banda e gravar. No período de isolamento eu me reconectei com pessoas que estavam perdidas nessa “lonjura”, que mais existe dentro de nós mesmos. Pois perdidos ficamos em nosso emaranhado universo de afazeres, demandas e péssima utilização de nosso tempo.
DA – Como você avalia o atual papel da arte e do artista diante dessa “poluição midiática”, calcada em excesso de informação e escassez de conteúdo, e ancorada em algoritmos, militância e inquisição virtual?
JUVENIL SILVA – Em relação ao papel da arte, acredito que é algo que deve ser livre de qualquer coisa. Por mais que na mídia a gente tem visto ela sendo explorada de modo tão engessado. É triste, o capitalismo sempre fez esse joguinho sujo. Se apropria de culturas, discursos, bandeiras… A qualquer custo. Mas a arte em si, (r)existe para além disso. Eu não tenho muita paciência para seguir tendências, só sigo um próprio fluxo de ciclos estéticos que vão deslanchando naturalmente. Por mais que, na maioria das vezes, aparentemente, eu esteja de ré na contra mão (risos). Sinto que vivemos numa espécie de saturação dos sentidos em relação à arte. Um tedioso fast food cultural. A gente come tão rápido que nem sente o gosto e depois vem outra coisa e depois outra, não se degusta e nem se absorve direito. Essa entrevista, por exemplo, a maioria das pessoas vai ler apenas a chamada da matéria, algumas vão até compartilhar mesmo sem ler, outras vão ler pelo menos o começo… (Oi pra você que leu até aqui!). Infelizmente, toda essa avalanche de informação não nos torna mais sábios e sim pelo contrário, é tudo tão ligeiro que nem temos tempo pra pensar direito. E a festa continua, seja lá como a coisa esteja.
Juvenil Silva / Foto: Raissa Vila Nova
DA – O que nos reserva o próximo fluxo de Juvenil Silva? Um novo álbum, uma nova produção?
JUVENIL SILVA – Faz tempo que não lanço um álbum cheio, né? O “Suspenso” é de 2018. Talvez eu ande meio desacreditado desse formato. Não por ele em si, pois amo ouvir álbuns, mas pelo modo que as pessoas vêm consumindo música. Bem, tenho um disco guardado e pode ser lançado a qualquer momento. Em janeiro lancei um single dele, a faixa “Sem Relógios”. Na verdade, são 7 canções, daí existe uma dúvida em deixar como EP ou pôr mais músicas e fechar um álbum completo. Também estou imerso nas gravações do primeiro álbum do projeto coletivo “Avoada”. Ambas as produções serão lançadas ainda este ano. Acredito que o meu sai ainda este semestre e se chamará “Um Belo Dia Nesse Inferno”. Nome que seria do meu primeiro disco, lá em 2013. Não só o nome, mas também a estética. Pois desde o início eu queria lançar um disco de folk psicodélico, acabou que fiz algo mais rock psicodélico, folk rock… Mas agora vai. Recomeçando da maneira que eu iria começar.
DA – Por falar em Avoada, esse não é o único projeto coletivo que você participa. Você ainda integra o Dunas do Barato e A Banda dos Corações Selvagens. Quais as peculiaridades de cada projeto e como você consegue conciliá-los com sua carreira solo?
JUVENIL SILVA – Esses projetos coletivos requerem um pouco mais de disciplina e compromisso do que meu trabalho solo, pois envolvem outras pessoas. São vários fluxos alinhados para que se possa fazer algo. Mas também é onde posso aproveitar minha versatilidade no exercício de compor. Na Dunas do Barato, eu trago um material mais voltado pra música brasileira, a banda tem bastante influência dos Tropicalistas. Na Avoada, usamos a canção como veículo de luta. O coletivo foi praticamente formado pra meter o pau nesse desgoverno e fazer isso usando a canção numa estética mais rural, regional, folk. Além desses projetos, que são autorais, tem A Banda dos Corações Selvagens, que faz uma releitura ácida e psicodélica da obra do Belchior, e também o trabalho com o selo Plurivox, com Tonho Nolasco, onde além de gravar e produzir nossas coisas, estamos fazendo a produção fonográfica de outros artistas. De alguma forma, minha carreira solo permeia tranquilamente entre tudo isso e mais um pouco.
DA – Como surgiu a ideia do selo Plurivox? Como funciona a captação de novos artistas para a gravadora? O estúdio já está finalizado?
JUVENIL SILVA – A Plurivox surgiu quando na pandemia comecei a aprender a gravar para fazer meus “Discos off line”, álbuns que gravei e não lancei, apenas vendi. Com a construção do estúdio, que ainda não terminou, e com a troca constante e experimentos com o músico e produtor Tonho Nolasco e a designer Natália Amorim, a coisa foi surgindo naturalmente. Além de gravar nossas coisas, começamos a produzir artistas próximos que admiramos. Até então lançamos alguns singles da Flor de Jacinto e Marcionílio. Outros artistas e propostas estão sendo avaliadas. Ainda esse ano teremos vários lançamentos.
Juvenil Silva / Foto: Raissa Vila Nova
DA – Seu projeto Discos Off-line funciona como um chapéu virtual enquanto o artista toca na rua e já rendeu 8 EPs. Como tem sido a receptividade do público ao projeto? Você pretende continuar com esses lançamentos ou, de repente, lançá-los em outra plataforma?
JUVENIL SILVA – Os Discos Off-line foram 8 ao todo, “Isolamento Acústico”, “Isolamento Acústico Vol 2”, “Não Amolem os Canivetes”, “Cinzas de um Ano Morto”, esses de 2020. Em 2021, teve “Calendário dos Sonhos”, “Farol das Esperanças”, “Coracionalismo” e uma versão diferente do “Lonjura”, com arte diferente e mais músicas do que o EP lançado. Esse projeto foi algo de guerrilha mesmo, algo emergencial e cumpriu bem o seu papel. Teve uma ótima recepção da mídia e do público. Saíram várias matérias sobre e muita gente comprou. O valor era espontâneo, às vezes compravam um disco por 10, 20 reais, mas, às vezes, 50, 100 ou até mais. Não penso em seguir com esse projeto, pois foi algo estratégico para esse período de isolamento em que não havia possibilidade para shows e outros trabalhos mais. Os Discos Off-line e editais, como o Aldir Blanc, me ajudaram a segurar a barra financeira desses dias impossíveis. Agora, mesmo ainda sentindo que não voltamos por completo com os shows, pelo menos existem possibilidades. Vamos a elas. Saudade da estrada… Cheguei até a fazer alguns shows em São Paulo, mas tenho tocado mais pelo Nordeste. Mas vamos em frente, seguindo e passando de acordo com abrir das porteiras.
DA – Qual a diferença do Juvenil do A Noite do Desbunde Elétrico (festival de rock underground de Recife) para o Juvenil de hoje?
JUVENIL SILVA – O Desbunde Elétrico era um festival que eu e uma turma de outras bandas fazíamos, começou em 2007 e foi até 2016, se não me engano… Ao passar dos anos, ficou sendo produzido mais por mim mesmo. Naquela época, eu tocava com a Canivetes, banda de rock sessentista e psicodélico, com a Dunas do Barato, que fazia um som mais tropicalista e, depois, meu trampo solo. A diferença de hoje em dia, além de mais de uma década de juventude (risos), é que eu era ainda mais maluco e despreocupado, com o tempo a gente vai ficando mais sério mesmo, percebendo o tanto de coisa que acontece ao nosso redor e dentro de nós mesmos. Isso dá pra ver bem nas letras que escrevo. Se comparar as de hoje em dia com as primeiras composições gravadas nas bandas e na carreira solo… Depois do golpe, Bolsonaro, pandemia, términos de relacionamentos e outros tantos traumas, ninguém é mais o mesmo.
DA – Entre lonjuras e avoadas, suspenso ou no meio de lugar algum, o que mais o estimula a seguir trilhando sua estrada musical?
JUVENIL SILVA – Desde que me entendo por gente, me sinto artista, desde os rabiscos mais bobos nos caderninhos… Depois do primeiro violão, pronto. Não tenho, nem quero saída. É o que amo e sei fazer… Esse foi o caminho que escolhi, mesmo com todos e tudo na vida tentando me afunilar para um outro caminho. Àquele que dizem ser o correto: estudar, ter um emprego fixo, casar, ter filhos e morrer temente a Deus. Pois é, fui criado em família evangélica. Temores, hipocrisia e promessas de um paraíso pós-vida, no qual toquei o foda-se e fui atrás do meu próprio paraíso, no aqui e no agora. E não existe outra forma de viver isso, sem o tesão e amor naquilo que se faz. Sejamos plenos, triunfantes e nada menos que isso.
Larissa Mendes já viveu dias impossíveis, mas hoje, na medida do possível, se considera feliz.
Não é de hoje que estudiosos e autores de ficção discorrem sobre o impacto da tecnologia sobre nossa sociedade, seu uso para o bem ou para o mal. Seremos capazes de evoluir a ponto de erradicar guerras, miséria e mortes desnecessárias ou a tecnologia nos escravizará, difundirá ainda mais a estupidez e potencializará nossos instintos de autodestruição? O estado de coisas atual não nos dá muitos motivos para otimismo. Imerso em questionamentos como esse, o autor Rodolfo Guimarães Neves lança suas preocupações sobre nosso futuro e nossa democracia, sem se esquecer de onde veio e das peculiaridades do cotidiano do presente.
Conheço Rodolfo desde que éramos adolescentes, nos anos noventa, quando ambos morávamos no Espírito Santo. Desde aquela época, já era perceptível sua tendência para a erudição, sua sensibilidade e seu amor por Pernambuco, sua terra natal, e pelo Brasil. Através dele, foi a primeira vez que ouvi falar de Chico Science, de quem não tardei a ouvir e me tornar um fã, assim como de todo o movimento Mangue Beat. Lembro de nossas conversas sobre história e sociedade na biblioteca da escola na hora do intervalo, quando a maior parte da turma se entupia de refrigerante e salgadinho ou jogava futebol.
Cada um seguiu o seu caminho e, para Rodolfo, veio o curso de Direito, os empregos na Universidade Federal e no Tribunal de Justiça. Mas havia um autor dormente, um observador de costumes e um poeta que gradualmente emergiu, além de uma história épica que pedia para ser contada, se insinuando através da leitura das páginas de Asimov, das sessões de filmes que expandiam a imaginação sobre o futuro e de uma formação humanista e, sobretudo, curiosa sobre o mundo e suas instâncias.
Alguns de seus contos apareceram em antologias divididas com outros autores: “Conto Brasil” (volume 1, 2018 e volume 2, 2019), ambos pela Editora Trevo; “Veraneio”, da Editora Jogo de Palavras (2019); “Paraty”, da Editora Gaya (2019) e “23 Formas de Morrer”, da Editora Amélie (2020). Sua poesia já foi publicada em “Poesia Agora – Edição Inverno 2018”, da Editora Trevo e em “Concurso Nacional Novos Poetas 2018 – Antologia Poética”, da Editora Vivara.
Seus maiores voos literários, agora solo, aconteceram recentemente. Em 2020, a coletânea “Eles, Outros Contos e Poemas” e o romance “A Dinâmica Orgânica”, incursão na ficção científica, foram publicados pela Editora IGP, do Recife. Enquanto os contos e poemas mostram uma visão mais pessoal e cotidiana, mas sempre oferecendo uma sensação desconcertante ao leitor, é nas páginas do romance que a imaginação de Rodolfo alcança um nível poucas vezes visto. Por trás da sua ficção científica, com direito a viagens no tempo e o protagonismo de Pernambuco, quase um personagem por si só, há uma preocupação sincera com os rumos da democracia e com o uso da tecnologia contra o interesse público. “Eu me orgulho muito do livro. Foi uma conquista na minha vida, uma das coisas mais alegres, uma realização”, festeja Rodolfo, e com motivos para tanto.
Já em 2021, mais duas publicações: a adaptação para quadrinhos de “A Dinâmica Orgânica”, feita em parceria com o quadrinista Pedro Ponzo, um dos grandes nomes da cena pernambucana atual dos quadrinhos, e a peça teatral “Ressentimento”, na qual as experiências de Rodolfo no mundo do serviço público serviram de grande inspiração.
Para minha grande satisfação, Rodolfo aceitou conversar com Diversos Afins sobre sua obra. Sentindo-se com um alto nível de satisfação pessoal e autorrealização, ele manifesta seu grande agradecimento “à minha atual namorada, a Maria Luciene, que me dá todo o apoio para escrever mais coisas”. Uma longa conversa que passa não apenas pela literatura, mas também pela filosofia, administração pública, cinema e política.
Rodolfo Guimarães Neves / Foto: arquivo pessoal
DA – Sua obra transita entre o texto em prosa e a poesia. Há alguma hierarquia entre essas formas de escrita no seu processo de criação literária? Você se considera um poeta que também escreve em prosa ou um ficcionista que eventualmente usa o verso?
RODOLFO G. NEVES – Eu me considero, antes de tudo, um escritor iniciante. Fiz alguns cursos, três deles ministrado por Rodrigo Gurgel, um escritor do Rio de Janeiro, e outro de Pedro Bial, “O ato de escrever”. Eu comecei escrevendo poesia para um site chamado Luso-Poemas. Os poemas em “Eles, Outros Contos e Poemas” são mais antigos do que os contos. Já participei de alguns saraus em Olinda, mas não é habitual. Mesmo tendo começado com poesia, a prosa também me atrai muito, pela fluidez das ideias e pela necessidade de escrever. Participei de alguns concursos literários com poemas que foram selecionados para compor antologias, acabei mandando contos também, alguns dos quais estão no livro. O conto “O mal iluminado” me deu maior visibilidade, pois foi selecionado para a antologia “23 Formas de Morrer”, da Editora Amélie. Nessa questão de transitar entre prosa e poesia, fico dividido. Também escrevo peças teatrais, uma delas se chama “Ressentimento” e teve uma resposta muito positiva de membros da Academia Espírito-Santense de Letras. Outra peça, que deve sair em breve, chama-se “Resignação”. Eu transito entre a dramaturgia, a poesia e a prosa, não me considero nem melhor, nem pior em nenhum dos três. Ainda me considero alguém que está aprendendo. Mas pretendo sempre evoluir e aprimorar meu texto.
DA –Em seus contos do livro “Eles, Outros Contos e Poemas”, há a descrição de situações, cenários e emoções que pertencem ao cotidiano do meio urbano, narrando episódios insólitos ou até mesmo banais. Ao mesmo tempo, “A Dinâmica Orgânica” traz uma organização urbana completamente diferente, com uma proposta radical. Como é transitar por essas duas dimensões narrativas? O que há de uma na outra?
RODOLFO G. NEVES – Todo escritor tem a necessidade de contar histórias. No livro “Eles, Outros Contos e Poemas”, retrato as coisas que vejo no cotidiano. Seja um podcast, a vida de um amigo, as relações interpessoais, a vida urbana… há até um conto um tanto quanto zen-budista que destoa do restante. Tento fazer tramas, aventuras curtas, são contos muito curtos, o maior deles é “O Império de Momo”, que fala do carnaval de Olinda, o qual conheço bem, e também de questões morais. São coisas que eu vivencio e que outros vivenciaram e cada vez mais surgem ideias para escrever sobre coisas novas. Sobre “A Dinâmica Orgânica”, é algo mais escapista. Eu procuro ver um futuro mais utópico, mais justo do que a realidade que a gente vive. Enquanto em “Eles…” o mundo é como eu o enxergo, há as relações entre as pessoas, relações de poder, relações de amor, coisas banais como, por exemplo, o concurso público. A ficção científica é uma paixão pessoal. Uma das maiores alegrias era quando, aos doze anos, meu pai chegava em casa com uma fita VHS de “Jornada nas Estrelas: A Nova Geração”. Era uma alegria aquele mundo de naves e planetas. Ver a sociedade como um organismo é uma espécie de “tara” que eu tenho desde criança. Peguei um avião uma vez e vi a cidade de cima, parecia um organismo, aqueles prédios públicos e particulares. Ver o mundo de forma diferente foi algo muito estimulado pela ficção científica. E eu a vejo como um escapismo meu diante de tanta miséria e corrupção, para imaginar um mundo melhor. Até a ficção científica mais distópica, como “Mad Max” (1979), nos faz pensar no que pode se tornar a humanidade. Então, eu quis eu mesmo escrever a minha própria ficção científica, de tanta paixão que eu tenho pelo gênero.
DA – “A Dinâmica Orgânica” traz uma história futurista num ambiente muito brasileiro e muito pernambucano, o que não é algo tão comum na produção cultural mainstream nacional. Você acompanha a produção brasileira de ficção científica?
RODOLFO G. NEVES – Eu acompanho o blog de Alexander Meirelles da Silva, um dos maiores especialistas de fantasia, ficção científica e terror do Brasil, tenho contato com ele e com outras pessoas do meio através do Facebook. Mas não acompanho tanto assim a ficção científica nacional, procurei “Fractais Tropicais” (2018), uma coletânea de contos brasileiros de ficção científica, mas não encontrei para venda. Eu escrevi “A Dinâmica Orgânica” porque eu tinha esse impulso. E fiz de uma forma regional porque eu sou apaixonado por Pernambuco. Em uma ocasião, comentei com amigos da minha então esposa que eu estava escrevendo um livro de ficção científica. Me perguntaram: “e onde vai se passar?” “Em Recife”, respondi. A reação foi de um riso abafado. Fiquei indignado. Aí pensei comigo: “agora que essa porra vai se se passar toda em Recife, não quero saber” (risos). É bem regional, mas também bem brasileiro, tem passagens na Ilha de Marajó, menciona São Paulo, Rio de Janeiro e Paraná. Tem personagens da Paraíba, de Mato Grosso… Na minha concepção, o Brasil seria um baluarte do mundo livre contra as nações que decidiram seguir o processo da Dinâmica Orgânica e se tornarem um organismo vivo.
DA – Há citações de Philip K. Dick e de Isaac Asimov na epígrafe de “A Dinâmica Orgânica”, sendo que uma das personagens leva o sobrenome de Asimov, numa clara homenagem. Quais suas outras influências dentro da ficção científica?
RODOLFO G. NEVES – Eu consumo muita ficção científica, mas não sou um grande leitor do gênero, li “Admirável Mundo Novo” (1932), de Aldous Huxley; “Fundação” (1951) e “O Fim da Eternidade” (1955) de Asimov, “Mil Novecentos e Oitenta e Quatro” (1949) de George Orwell… Mas sou um ávido consumidor de cinema de ficção científica, até de filmes mais antigos dos anos 60 e 70, como “Colossus 1980” (1970) e “Solaris” (1972), de Andrei Tarkovski. Impossível não falar de “Blade Runner” (1982), “Matrix” (1999), das irmãs Lily e Lana Wachowski e “Interstellar” (2014), de Christopher Nolan, que me chamaram muito a atenção; e também da franquia “Star Trek”, inclusive os mais recentes. “THX 1138” (1971), de George Lucas, que é baseado num curta anterior do próprio diretor. A animação “Æon Flux”, cuja adaptação em filme não é muito boa, mas a série é excelente, tem uma abordagem filosófica subliminar bem interessante. Filmes surreais como “Cubo” (1997), “O Poço” (2019). Tenho uma pilha de livros aqui em casa esperando para serem lidos, mas meu tempo é ocupado por várias atividades diferentes, estudo economia e lógica da argumentação, faço parte de organizações filantrópicas, tenho que dar atenção a membros mais idosos e fragilizados de minha família. Também leio outras coisas como misticismo, rosacrucianismo, a sincronicidade de Carl Gustav Jung, que é um tema que me interessa muito, estou lendo “Jung, o Místico” (2010), de Gary Lachman, que foi membro da banda Blondie, de quem li também “A História Secreta da Política Ocidental” (2008). Tudo isso influencia você e, como disse Chico Science, “enche a imaginação de domínio”. Eu fui criando aos poucos, tinha um caderno de notas e ia anotando. Um dia, fui rever “Blade Runner” com minha ex-esposa. Depois do filme, contei para ela a premissa de “A Dinâmica Orgânica” e ela me incentivou muito a escrever e publicar. Hoje sou grato a ela, foi uma grande incentivadora. Passei quatro anos escrevendo o livro.
DA – A meu ver, a melhor produção de ficção científica parte de assuntos sócio-políticos-filosóficos relevantes no tempo do autor e os projeta em um contexto tecnológico e/ou futurista, propondo um desenvolvimento que pode ser utópico ou distópico. “A Dinâmica Orgânica” parece transitar simultaneamente entre ambos. Quais as questões atuais que serviram de mote para a criação desse universo?
RODOLFO G. NEVES – Boa pergunta. A nanotecnologia, a hiperconsciência, esses conceitos científicos mais novos. A Brainet, uma internet cerebral, que é abordada pelo Miguel Nicolelis. Isso me leva ao seguinte: o fascismo tem muitas faces. Ou melhor dizendo, o totalitarismo, já que o stalinismo não é algo que me agrade. Essas tecnologias em mãos erradas podem transformar um país em um monstro, literalmente. Isso vem me preocupando. Li o livro de Yuval Noah Harari, “Sapiens: Uma Breve História da Humanidade” (2014) e estou lendo do mesmo autor “21 Lições para o Século XXI” (2018) e “Homo Deus: Uma Breve História do Amanhã” (2016), que aborda os desafios atuais da humanidade com a disponibilidade de recursos tecnológicos. Quem imagina que o totalitarismo é algo afastado na história, está muito enganado, o que é reforçado pelo contexto atual, pelo que estamos passando. Não vou citar nomes, mas estamos em uma situação em que o fascismo não foi obliterado. Meu medo é a ascensão do totalitarismo com esses recursos tecnológicos, seria algo muito mais brutal do que o nazismo de Hitler. Pode se ter o controle total de uma população, de uma nação inteira através de algoritmos do Google ou do Facebook. Isso nas mãos erradas, sem controle, sem liberdade, sem o garantismo do poder judiciário… me fez pensar muito sobre o futuro. Em contrapartida, imaginei como seria um mundo melhor, com uma internet chamada de Mindnet, que tem um lado místico, de energia vital, não seria idêntica à Brainet de Nicolelis, mas que seria usada para o bem. Então tem os dois lados: um quando a tecnologia ajuda a fazer uma sociedade mais justa e outro quando é usada para a opressão. Há um conceito no livro chamado “economia por energia” que eu levo tão a sério, detalho tanto como funciona, que passei a estudar economia com um certo sonho de explicar isso para a linguagem econômica, propor uma economia sem dinheiro.
Rodolfo Guimarães Neves / Foto: arquivo pessoal
DA – Você já adiantou esse próximo tema um pouco, mas eu pergunto: com a recente escalada neo-autoritária em várias partes do mundo e a “algoritmização” do indivíduo do século XXI, com manipulação de dados e disseminação de informações falsas para fins comerciais e políticos, você acredita que a sociedade atual caminha para algo similar ao “organicismo” descrito em “A Dinâmica Orgânica”?
RODOLFO G. NEVES – O risco do ”organicismo”, da maneira em que está no livro, é real. É como numa passarela de desfiles de moda, onde são exibidas roupas extravagantes. Não quer dizer que as pessoas vão usar aquelas vestimentas, o estilista aponta as tendências, um salto maior, um chapéu com uma aba diferente. A ficção científica funciona assim, se exagera um pouco para dizer onde podemos chegar, como em “Mad Max”. Talvez nunca iremos chegar a esse cenário, mas é um futuro plausível. Se acabarem os recursos naturais, vamos nos matar uns aos outros por água, por petróleo. O que eu quis mostrar é um lado onde a tecnologia oprime e os seres humanos são aperfeiçoados geneticamente, inclusive intelectualmente, criando uma casta. Talvez o fosso entre ricos e pobres se torne totalmente intransponível, como os estamentos da Idade Média, porque os pobres não conseguiriam pagar por essas intervenções médicas. A ignorância e o obscurantismo são direcionados para as classes mais baixas. Isso, de certa forma, já foi abordado em outras obras, como no livro de H. G. Wells, “A Máquina do Tempo” (1892). É algo ainda distante, mas é uma ameaça real. “A Dinâmica Orgânica” é minha contribuição para despertar esse alerta no público. Eu quis fazer um livro regionalizado por ser apaixonado por Recife, mas também porque sonho com que o Brasil seja esse baluarte do mundo livre, eu não sonho com o Brasil de Bolsonaro, eu sonho com um Brasil livre, democrático. Eu sou um democrata e o totalitarismo, tanto com os expurgos de Stalin quanto com o nazismo de Hitler, já provou que não presta. Sou um democrata ferrenho, na verdade, um social-democrata, algo que seria um meio termo. Muita gente não gosta desse termo por causa do PSDB. Eu não sou do PSDB, sou filiado ao PDT, do espectro trabalhista, do espectro social-democrata, de Leonel Brizola. Enfim, meu medo é esse, de ser criada essa casta super evoluída e se degenerar. Como coloca a “Política” de Aristóteles, os sistemas políticos podem se degenerar. Com o uso da tecnologia, a tirania talvez se converta em um ser vivo. Por isso eu faço um trocadilho na divulgação dos quadrinhos de “A Dinâmica Orgânica”: é a história da luta contra a pior “espécie” de totalitarismo. “Espécie” aqui serve tanto como “tipo” quanto como ser vivo.
DA – Você falou sobre a economia por energia, me pareceu um conceito com alguma influência de princípios orientais, como o Chi, por exemplo. Você chegou a estudar algo dessas filosofias?
RODOLFO G. NEVES – Eu li “Tao Te Ching” de Lao-Tze e “O Tao da Física” (1975), de Fritjof Capra, mas li sobretudo literatura espírita. No Nordeste, há muitos nomes de origem eslava. Há uma certa profecia espírita que fala que o nordeste brasileiro iria acolher os eslavos. Peguei isso como mote e coloquei nomes eslavos para várias personagens: Asimov, Sokolov, Dmitri. E outras leituras como experiências de quase-morte, anjos, literatura rosacruz. Embora tenha lido vários livros, eu não sou um grande pesquisador, sou alguém que vive bastante da imaginação. Dentre todas essas referências, seleciono aquilo que serve à minha tese. Nos crimes de ordem energética, que estão no livro, tive muita influência do espiritismo.
DA – Sua formação acadêmica é em Direito e Gestão Pública. O que foi incorporado desses saberes na sua produção literária?
RODOLFO G. NEVES – Em “Eles, Outros Contos e Poemas”, há um conto bem antigo sobre concurseiros, onde acontecem coisas um pouco surreais quando a luz apaga durante uma aula noturna de revisão, um “madrugadão”. É algo que não existe, mas que poderia existir. Eu mesmo estudei muito para concurso e fui aprovado em alguns. Minha vida de servidor público influenciou o conto “Talentos Entre Escaninhos”, a partir de uma observação da estrutura de poder numa estrutura burocrática. Em “A Dinâmica Orgânica”, aproveitei minha formação em Direito para tipificar os crimes daquela sociedade do futuro. Também me inspirei na estrutura hierárquica de um órgão público, tendo um Diretor, um Supervisor, um Supervisor Assistente e o “peão” que vai fazer o trabalho. Eu trabalho em um Tribunal, então tem o Desembargador, o Juiz… uma hierarquia muito forte. Eu nem conheço nenhum Desembargador porque sou alguém da baixa burocracia, não sou nem do segundo escalão. Já fui Diretor por um ano e nove meses, no núcleo de auditoria e prestação de contas. Fiquei doente por um período e pedi para sair. Voltei como Supervisor de licitações e contratos. Você já viu “The Corporation”? É um documentário sobre o comportamento de organizações, como empresas. Há uma comparação entre os traços de uma empresa que só visa o lucro com os de uma pessoa. E essa empresa, se fosse uma pessoa, seria um psicopata. Cita empresas que geram danos ao meio ambiente, empresas cujos produtos causam câncer. Fazem seus cálculos e decidem que é melhor gastar com indenizações do que fazer um recall do produto, por exemplo. A sociedade luta contra isso, tem a figura do garantismo do poder judiciário, que com defeitos ou não, é o último recurso que nós temos contra essas forças. O constitucionalismo, os direitos, o garantismo, todas essas coisas, não podemos abrir mão de jeito nenhum. Se não houver controle, o check-and-balance, se entregar o controle a uma casta de pessoas, não vai dar certo. Eu trabalho com controles internos na administração pública, eu sei como funciona. Isso também me inspirou. Se não houver controle, as coisas degeneram, começam a falhar, vira uma luta contra a entropia. No livro, tem uma fala dos habitantes do mundo livre: “nós já somos um organismo, mas os alemães levaram a sério demais” [Nota: na trama, a atual Alemanha é um dos países que passaram pelo processo de Dinâmica Orgânica]. São como glóbulos brancos em nosso organismo, temos instituições como o Judiciário, o Ministério Público, a Polícia, as ONGs… temos órgãos de defesa da sociedade lutando contra um impulso natural de acumulação, de destruição, um impulso predatório do capitalismo, uma força entrópica do ser humano. Infelizmente, chamam o servidor público de “parasita”. Parece que não sabem o que o mercado financeiro faz com a sociedade, muitas vezes gera riqueza sem produzir nada e fica na mão de poucos, concentra. É um parasitismo danado.
DA – Como se os especuladores não fossem parasitas…
RODOLFO G. NEVES – Especulador, um cara que está com dinheiro em Xangai, depois manda para Nova Iorque, trocando dinheiro, não produziu nada. Como no filme “Wall Street” (1987), em que o pai, que era dono de uma empresa pequena, fala para o filho: “Eu produzo, não vivo trabalhando com isso de mercado financeiro”. Existe um impulso natural de as pessoas quererem acumular, tem coisas muito mais complexas em jogo. Esses instintos primitivos, se não forem domados, podem acarretar em algo muito sério no futuro. Tem exemplos na história em que não se podia contestar. Eu não quero viver em uma sociedade em que não se pode falar mal do Presidente. Claro que respeitando a integridade moral. Mas eu quero ter o direito de dizer: “Meu amigo, você está equivocado. Estamos numa pandemia, se reporte decentemente, você é um Chefe de Estado, tem que prestar contas”. Então, esses sistemas de defesas que nós temos, como auditorias, servem para frear esse impulso.
DA – No prefácio, você relata que a ideia central de “A Dinâmica Orgânica” nasceu de um debate com um professor de filosofia. No que a filosofia influencia a sua escrita? Quais as suas leituras nessa área?
RODOLFO G. NEVES – Nesse prefácio, eu relato que durante uma conversa com esse meu amigo professor aqui de Pernambuco, fazíamos um jogo de palavras sobre as ideias de Platão sobre o bom, o belo, o justo e o verdadeiro. Se tudo o que é bom é belo, verdadeiro e justo, o que seria uma sociedade boa? Seria uma sociedade em que uma minoria extremamente culta e inteligente domina uma casta de ignorantes e brutos? Em “A Máquina do Tempo” há o questionamento: “quem é você para questionar oitocentos mil anos de evolução?” Será que é nisso que vamos nos transformar? Em seres brutos trabalhando para seres ultra desenvolvidos? Eu quis mostrar os dois lados que a tecnologia pode nos oferecer, um bom e outro ruim. Isso é algo pouco mostrado na ficção científica, uma luta entre utopia e distopia. Dentre os autores que já li, tem Nietzsche, Schopenhauer, a Fenomenologia de Edmund Husserl, algo de Giovanni Reale.
DA – Quais as suas principais influências no romance, no conto e na poesia?
RODOLFO G. NEVES – No romance, Fiódor Dostoiévski, “Crime e Castigo” (1866). “O Castelo” (1926), de Franz Kafka, é fantástico. Um livro que me encantou muito foi “A Morte de Ivan Ilitch” (1886), de Liév Tolstói, até chorei com o livro. Confesso que já li livros de Dan Brown, não tenho preconceito com livros de aventura. “As Aventuras de Tom Sawyer” (1876), de Mark Twain. “O Grande Gatsby” (1925), de F. Scott Fitzgerald. “O Apanhador no Campo de Centeio” (1951), de J. D. Salinger. Machado de Assis com “Quincas Borba” (1892) e “O Alienista” (1882). Me influenciaram e me ajudaram a contar minhas histórias. Na poesia, o que eu li mais recentemente foi Hilda Hilst. Mas não tenho exatamente um poeta favorito. Estou lendo João Cabral de Melo Neto, “Morte e Vida Severina” (1955) e Ferreira Gullar, “Poema Sujo” (1976). São meus livros de cabeceira, chego em casa morto, mas leio alguma coisa antes de dormir. Paulo Leminski, acho muito interessante, li a antologia “Toda Poesia” (2013). Augusto dos Anjos, li toda a poesia dele. Aquilo me chocou bastante, é misterioso, é sinistro, eu gosto bastante. Lembrei de “Notas do Subterrâneo” (1864), de Dostoiévski, outro livro fantástico.
Rodolfo Guimarães Neves/ Foto: arquivo pessoal
DA – Cujo protagonista, aliás, havia sido um servidor público…
RODOLFO G. NEVES – Exatamente, ele é mesquinho, todo preocupado com o que os outros pensam. Olha, minha peça “Ressentimento” é sobre coisas que vi no mundo do serviço público. Há muito ressentimento no serviço público. Tem muita gente cuja vida se resume àquela função, só faz aquilo. Você precisa se realizar em outros meios. Eu já fui um pouco ressentido também, mas isso só me deu mais vontade de sair desse ciclo. Eu vi pessoas de órgãos que eu já trabalhei muito entristecidas, deprimidas, e não se sabe por que estão deprimidas. Deveriam fazer dança de salão, escrever poesia, participar de saraus… a vida não é só aquele meio burocrático.
DA – É muito alienante…
RODOLFO G. NEVES – Não me refiro ao meu setor, tem um pessoal maravilhoso lá. Mas as coisas a que a gente assiste, as notícias que chegam… uma mulher que se suicida porque não cumpriu a meta… um técnico que briga com um analista por causa de salário… Por que essas pessoas estão adoecendo no serviço público? Por que tanto ressentimento? Na minha peça eu abordo isso, esses ressentimentos e a forma de lidar com isso, de maneira um tanto ilusória.
DA – Você trabalhou em uma adaptação em quadrinhos de “A Dinâmica Orgânica”. Para (re)contar sua história e produzir um roteiro de HQ, quais os principais desafios em fazer essa transição entre a linguagem literária e a dos quadrinhos?
RODOLFO G. NEVES – É difícil. É um livro de trezentas páginas e chamei um dos melhores quadrinistas de Pernambuco, Pedro Ponzo. Eu acreditei tanto na história que pensei: “isso vai ser escrito e desenhado para que as pessoas entedam”. Essa transição foi difícil porque tivemos que fazer todo o roteiro da HQ, pegando as principais partes do roteiro do livro e verificando o que realmente valia a pena ser contado, concatenando os principais pontos. Muitas coisas foram cortadas, a revista acaba sendo bem mais pobre do que o livro, mas há um ganho no desenho, na arte. Eu participei desse processo de roteiro, além de escritor da história original também sou co-roteirista dos quadrinhos junto com Ponzo, que desenhou maravilhosamente bem.
DA – Em “Eles, Outros Contos e Poemas”, há uma epígrafe com citação de Clarice Lispector no qual ela se pergunta “para que escrevo?” Para que escreve Rodolfo Guimarães Neves?
RODOLFO G. NEVES – É uma necessidade. Uma vontade de contar uma história. Vem na sua cabeça uma história tão interessante que você pensa: “eu preciso cristalizar isso em um escrito”. Eu escrevo para me autorrealizar, fazer uma obra que impacte, que tenha potencial para transformar. Fazer, quem sabe, uma pessoa ver o mundo de uma forma diferente. Fazer as pessoas conhecerem a minha forma de ver o mundo, uma forma de comunicação. É um impulso que não consigo controlar, a vontade de contar uma história é muito grande. Pedro Bial fala que todo escritor deveria se perguntar se a história vale a pena ser contada. Todas as histórias que eu contei, eu considerei que valem a pena ser contadas, senão não teria escrito. Eu fiz o meu melhor e espero que o público goste.
* O romance “A Dinâmica Orgânica” e sua adaptação em HQ, a coletânea “Eles, Outros Contos e Poemas” e a peça “Ressentimento”, todos da Editora IGP, estão disponíveis na Livraria Imperatriz do Shopping Recife ou direto com o autor pelo e-mail rodolfogn@hotmail.com
Rogério Coutinho é oficial de comunicações de alguma nave estelar, de onde colabora eventualmente com Diversos Afins, transmite o Podcast Gramofone e emite notas sobre aleatoriedades no Twitter.
O que mais gosto é que você parece ter guardado um segredo durante todo o dia só para me contar. No fundo sei não ser verdade. O fato é que abro tuas pernas como facas uma ostra. Isso é real. Mas o real nem sempre é melhor. São os mal-entendidos que colorem o mundo. O melhor é depois conversarmos na janela do nono andar, fumando, olhando os (daqui) pequenos carros na rua. Da janela sinto o mundo recolhendo acontecimentos que nos atingiriam em eco caso estivéssemos lá embaixo. Mas, não estamos. Saio do teu corpo como um prazer satisfeito ou uma doença. Dentro você é macia pista de gelo quente. Fora, todo este teatro à disposição. A luz é a continuação de outro mundo, refletido em teus cabelos. O segredo que você tanto guardou durante o dia é sempre a mesma história, com pequenas alterações. Surpreendo teus lapsos como às vezes a vista surpreende a mão em gesto automático. Mas, sempre finjo não notar. Gosto de ouvi-la, desse hálito golpeado pela hortelã do teu cigarro mentolado. Por exemplo: a cada vez você troca o nome dos mortos que inventa. Por mim tudo bem. Nomes de mortos não são mais úteis. Só acho engraçado esse esforço de encenação. É como se eu me importasse. Finjo me importar. Bato à tua porta porque estou cansado. Entro carregando nas costas meu próprio corpo. A mim bastaria que você apagasse os incensos da sala. Eles fedem a pétalas de plástico queimado. Você se deixa entender; eu me deixo escutar. Com você o sexo sempre vem acompanhado pela máscara da compaixão. Teus pais são indianos e te prometeram em casamento a um velho de setenta anos. Por isso você fugiu de casa e está aqui, vivendo essa vida. Mas, quantos nomes diferentes teus pais têm? Eles já morreram mesmo, e de tantas formas assim? Teus lábios são lâminas líquidas mordendo pequenas peras de luz. Percebi que quando você mente esfrega o pulso com o nó dos dedos. Mas, quem não mente? A mentira é a principal função da linguagem. Só que poucos esfregam o pulso como você. Quando você se espreguiça lembra um anjo abrindo as asas. Outro dia você disse que eu era apático. É que gosto de ficar quieto, silencioso, observando você. Tenho quatrocentos adjetivos diferentes para falar das tuas costas. De qualquer modo, tomei como um elogio. Nossas vidas são tão minúsculas. Somos tão indefesos, tão pequenos, que tenho vontade de rir. Gosto das suas estórias. São segredos escritos a lápis. Por isso você os apaga e os reescreve toda vez que eu chego. E eu sempre chego, carregando meu cadáver nas costas. Retirando o peso da verdade, os corpos ficam mais gratificados, menos constrangidos. Ficam menores, mais do que já são. Vivemos a vida dentro de um sonho. Às vezes, quando estamos na janela, sinto um insuportável desejo de saltar.
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Aeroportos de papel de carta
Conheço cidades distantes através das malas esquecidas no aeroporto. Não são muitas, nem é todo dia que as encontro. O ritual é tão estranho quanto gratuito. Geralmente sento em um dos bares próximos à pista de decolagem, para beber embalado pela tristeza do som das turbinas, admirando, sem entusiasmo, a indiscreta velocidade dos pássaros pesados, as asas de cor cinza, metálicas. Depois, atravesso a rua como se fosse viajar. Outra tarde, dividi a mesa de um desses bares com Diego M., ator, escritor brilhante, biógrafo de índios assassinos, decidido a embarcar atrás de uma harpista francesa que, segundo ele, cheirava bem na pele de madrepérola, encimada por olhos mansos (cor de rins). Fique longe do amor e dos aeroportos, aconselhei, dessa combinação explosiva que seduz a alma dos ladrões, pintores, imbecis, palhaços descalços. O amor não deve nunca embarcar. Nunca. A curva do sol refletia nos copos um sorriso de luz quando eu disse: no dia em que os turcos tomaram Constantinopla derreteram os sinos da cidade para fabricar munição. De modo que o melhor é esperar em casa, sentado, a bala turca vir ferir de vez seu coração de puta, que decidir ouvir de perto a sacra música das catedrais. As malas, Diego, procure as malas com rodinhas nos saguões. Seus donos são descuidados. Abra-as, sinta o cheiro de vitrine das roupas amassadas, o odor gordo da fumaça dos carros impregnando as gravatas, leia os tíquetes de estacionamento que falam sobre esquinas desconhecidas, descubra assim as ruas dessa cidade de origem, proteja-se. Um erro convertido em amor. Não negocie sua alma por isso. Aprecie os aeroportos de longe, as delgadas aeromoças em uniformes azuis, esses patins rosa que giram sozinhos na esteira rolante, ou o denso cheiro desse plástico que brilha como ouro falso. Da espessa vegetação dos números coloridos calculando fusos horários aprenda a gostar desse sentimento de que nada dura até o fim da curvatura dos gráficos. Pois o amor acaba porque tudo acaba um dia. O amor sai na urina, entre os cristais da cerveja que tomamos agora, um brinde. De resto, mulheres são cruéis quando é você o estrangeiro. São muros cercando o incêndio brilhante. Se Henry Miller tivesse vivido na era dos aviões não teria ido a Paris atrás de suas bonecas vazias. De navio, teve tempo suficiente para se entusiasmar e arrepender-se, longe da enjoada sensação de primavera de tudo o que se movimenta rápido. Anaïs Nin, afinal, era só uma ninfomaníaca com curso de datilografia e, segundo Artaud, tinha um péssimo gosto para calcinhas. O amor não servirá de abrigo antiaéreo caso a bomba imploda da caserna. Ele acabará um dia, na sala de embarque ou desembarque, pois esse tipo de amor se apaixona por si mesmo, bebe de suas unhas o próprio futuro que não terá. É a estrela dos cansados, farol dos cegos, cartaz de filmes castigado pela chuva. Fique longe desse tipo de amor. Se possível, de qualquer tipo de amor. Fique longe de mulheres brancas, francesas, com sotaques estranhos, traços orientais de estátua. São anjos, mas usam coturno. E usarão os coturnos, quando você menos esperar. De modo que não é possível amar uma mulher para depois amar a cidade em que ela vive. Cidades distantes costumam enforcar os invasores. Melhor manter-se em pé, atrás das janelas. Sobretudo manter distância dos lugares onde poderia ter sido feliz. Não seja feliz. Não fará diferença alguma. Em breve estaremos todos mortos.
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Subtração
Eu sempre vou te querer. Sempre. Quando ninguém mais te quiser, eu vou. Mesmo depois de você ficar velha, curvada, lenta, bem gasta. Quando ninguém mais te desejar, eu irei: desejá-la, querê-la tanto. Mesmo se você engordar, ou emagrecer demais, ou cortar as unhas até a pele sangrar. E quando a ninguém mais for suportável tua tristeza, teu humor negro, teu pessimismo, a mim será, pois, quando ninguém mais suportar ouvi-la falar de Thomas Bernhard, eu vou querer te ouvir falar de Thomas Bernhard. E mesmo se todos se cansarem dos teus longos silêncios eu não me cansarei, até por ser durante teus longos silêncios que eu escrevo. Porque quando você fala eu prefiro o som da tua voz ao dos meus dedos no teclado. Porque escrever é sempre dizer que você não está, ou está, mas calada. Que o teu silêncio é a minha imaginação. Então quando todos cansarem de ti, dos teus dentes manchados, tortos, afiados, do teu hálito de nicotina, das tuas mãos gesticulando nervosas, eu não me cansarei nunca. Mesmo quando teus seios caírem, teu rosto enrugar, tua memória falhar, teus pulmões virarem esponja. Quando você for traída, esquecida, humilhada, trocada por uma mulher mais jovem ou mais fútil, eu vou te querer ainda mais, e para nunca te trair, te esquecer, te humilhar, te trocar. Quando você estiver sem dinheiro, sem emprego, sem cigarros, esperança. Quando pouco ou nada sobrar de você, eu ainda vou querer esse pouco, esse nada, esse tudo que se puder raspar do prato raso dos teus sonhos. Sim, mesmo quando teu gato envelhecer, e passar a dormir dezoito horas por dia, e você se sentir sozinha sem ele, eu vou estar sempre acordado para você. Até mesmo se você tiver adquirido manias, tiques, doenças, dívidas, varizes, joanetes, verrugas, manchas na coxa. Pois, quando tuas tatuagens forem se apagando aos poucos e deformando-se conforme tua pele for enrugando, ainda assim gostarei delas, quererei vê-las. Digo: depois que o sexo (gás do pânico) já não for mais tão importante, e tudo for esse imenso vazio negro do desejo saciado. Sim. E depois de ninguém mais suportar teu bruxismo, tuas bebedeiras, teu choro, tuas olheiras, tuas cólicas, eu te pegarei pelos braços e te darei banho, e limparei teu vômito, e te deitarei na cama, e velarei teu sono por toda a noite. Enquanto eu estiver aqui eu estarei sempre aqui. Porque aprendi coisas novas para te contar. Que agora sei onde as modelos de Klimt enfiavam os dedos enquanto ele as pintava. Descobri hoje. Mas isso eu não vou te contar agora. Eu sempre vou te querer. Sempre. Mesmo que o amor não signifique mais nada para mim. Eu sempre vou te querer pelo simples fato de ser impossível para mim que eu não te queira. É impossível. Pois quando estou na rua e alguém me pergunta que horas são eu sempre respondo que é a hora certa. E sempre é a hora certa. Sempre será a hora certa. Sempre. Sempre. Sempre.
Tadeu Sarmento nasceu no Recife, safra de 1977. É autor dos livros “Breves Fraturas Portáteis” (Fina-Flor Editora, 2005) e “Paisagens com Ideias Fixas” (Bartlebee, 2012). Em 2014 foi um dos vencedores do II Prêmio Pernambuco de Literatura, com o romance “Associação Robert Walser para sósias anônimos” (Cepe Editora, 2015). Defende trincheiras indefensáveis no Visões de Ezequiel e despejou entulhos literários no Lontra Hiperbórea. As três narrativas acima integram o inédito “Sete Palmos Debaixo do Céu”.
Dizer que Pernambuco, com sua multifacetada expressão artística, ocupa um lugar mais do que especial na cena cultural brasileira é revisitar uma condição que certamente muitos já sabem de cor. Desde manifestações populares até os ímpetos mais modernosos, a música daquele estado guarda relações cada vez mais universais e reforça uma dinâmica que vai de dentro de si para o mundo. Com os matizes peculiares de suas paisagens, a cultura pernambucana pode falar de suas ambiências a qualquer habitante desse nosso complexo planeta. E o interessante é perceber que, apesar das distâncias geográficas com outros recantos mundanos, o espírito das coisas vividas e manifestadas na via musical pode perfeitamente comungar com o pensamento de quem quer que seja.
Por trás das cortinas da virtuosidade, a capital Recife abriga artistas também comprometidos em não somente expandir as fronteiras de seus trabalhos, mas principalmente dotá-los de uma consciência crítica capaz de repensar o caos. Nesse aspecto, os chamados independentes, dada a sua condição de desbravadores de espaços, conhecem com propriedade o significado do que seja resistir ao tempo e aos ditames dum modelo fonográfico desgastado e desigual. E assim vão conduzindo seus trabalhos, tendo como mote a coerência presente em suas trajetórias pessoais. Um dos novos representantes dessa perspectiva lúcida de manifestação é o cantor e compositor Ricardo Chacon. Integrante de uma geração disposta a arregaçar as mangas e viver intensamente o ofício musical, Chacon traz em si uma visão bastante aguçada dos temas que compõem seu meio. Quando nos concede a entrevista que agora segue, sabe falar não somente dos caminhos que o motivam a seguir adiante, mas sobretudo da forma como vislumbra um cenário ideal para si e seus pares.
Em 2008, Ricardo Chacon, ao conceder, juntamente com Piero Bianchi, uma entrevista para a Diversos Afins, já dava mostras dos voos que pretendia alçar com sua carreira. Àquela época, o assunto girava em torno de seu primeiro disco, Terra Papagali Coffee Shop, trabalho que marcou de modo especial sua caminhada pelo fato de representar um consistente resumo de brasilidade. De lá para cá, outros trabalhos se desenvolveram, a exemplo do EP Chacon (2010) e o single Nonsense (2012). No meio dessa jornada, há que se considerar também o projeto conduzido com a banda Nós4. Mas ao chegarmos ao momento presente, vemos um artista profundamente comprometido com novas maneiras de se comunicar com o público. E isso fica bem claro quando escutamos Chaka Nigths, álbum que acrescenta ao rock do artista recifense uma pitada de psicodelia. Tal como é possível perceber do seu testemunho, Chacon se mostra pronto a dar continuidade a seu caminho. Com opiniões sinceras, enxerga seu tempo nitidamente, certo de que, apesar dos entraves vividos, elegeu a melhor maneira de respirar o ar que lhe foi confiado pela vida. Por aqui, fica o testemunho de toda essa atmosfera.
Ricardo Chacon / Foto: Bruno V. Guimarães
DA – Antes de se chegar num determinado estágio, um artista sempre traz na bagagem as vivências de outras eras, sobretudo quando elas apontam para um projeto consistente já realizado. E aqui podemos falar na experiência marcante com o disco Terra Papagali Coffee Shop, álbum que revela virtudes duma brasilidade. Qual o legado maior desse trabalho para sua carreira?
RICARDO CHACON – A musicalidade do disco, acho, foi o maior legado deixado. A junção dos ritmos, os artistas que reunimos. Acho que a própria parceria musical entre mim e Piero, o momento que a gente vivia musicalmente, acabaram contribuindo para isso. Ousamos fazer esse disco, usamos as nossas economias e montamos uma viagem incrível, levando sempre conosco uma base gravada ainda em Recife. Foi um trabalho bastante rico, muito percussivo, muito brasileiro. Acho que o aprendizado desse disco, de todo o processo de gravação, é o que trago comigo.
DA – Depois do Terra Papagali Coffee Shop, a sua afirmação enquanto músico ficou impregnada de desafios mais complexos?
RICARDO CHACON – A gente sempre busca algo novo, criar algo diferente, e depois do Terra Papagali busquei me encontrar, achar minha música ainda mais. O processo de gravar um disco é algo que consome você de uma forma, que você quer fazer aquilo novamente. É sempre um desafio expor algo, colocar para fora as músicas. Há sempre um grande aprendizado por trás disso.
DA – Ao chegar em Chaka Nights, seu mais novo disco, você aposta num caminho mais ligado ao rock, sobretudo com uma atmosfera de nuances psicodélicas. Como se deu o processo de concepção do álbum
RICARDO CHACON – Tive a ideia de fazer esse disco em 2010, mas não tinha dinheiro. Então gravei um ep com quatro músicas, chamado EP Chacon. Montei uma banda e fizemos alguns shows. Então, começamos a trabalhar novas músicas nos ensaios, junto com a banda, e foram surgindo os primeiros arranjos, até gravarmos o primeiro single, Nonsense. Foi uma fase difícil, porque fazer disco sem apoio e sem grana é muito desgastante. Consegui terminar o disco com muita dificuldade. E o som dele tem muito a ver com o momento e com os músicos que me ajudaram na produção. Busquei parcerias para as letras, já que não quis, nesse disco, escrevê-las. Foquei mais nos acordes, os poucos que eu sei…
DA – Diante daquelas dificuldades que você passou, infelizmente comuns à maioria dos artistas, esse disco surge como uma espécie de tentativa de se manter firme no ofício?
RICARDO CHACON – Eu precisava fazer esse disco e passar por todas essas dificuldades. Tudo para eu aprender cada vez mais e entender também o mercado atual. Como havia dito anteriormente, era algo que precisava fazer e fiz. Não pretendo passar por isso, sozinho, novamente. Um dia espero ter um bom material para mostrar para os meus filhos, e que outras pessoas também possam conhecer mais os meus trabalhos.
DA – Na sua tentativa de entender o mercado musical, a que conclusões chegou?
RICARDO CHACON – Percebo uma dificuldade muito grande de se conseguir meios que te deem acesso a recursos para financiamento dos projetos. Desde o Terra Papagali, buscamos participar dos editais, mas pelo menos aqui em Pernambuco sempre são as mesmas pessoas que conseguem ter acesso ao recurso, pessoas e produtoras que vivem de todos os anos “arrumarem” um projeto para obter o recurso, enquanto outros artistas que não têm certo perfil são ignorados pelas curadorias, muitas delas viciadas em aspectos que acabam desmotivando jovens produtores e músicos. Poucas bandas, com bons trabalhos, é verdade, quase todo ano aprovam recursos, às vezes altíssimos, e muitas vezes nem dão continuidade ao projeto. Em Pernambuco, é absurda a forma como as curadorias trabalham, sem levar em consideração o esforço de quem nunca conseguiu qualquer recurso público e sempre fez tudo do próprio bolso. Repito, apenas poucos têm acesso, os mesmos iluminados, escolhidos por critérios duvidosos e mil interesses. Pessoas e produtoras que todos os anos aprovam projetos e vivem dos recursos que deveriam ser mais democratizados.
DA – De alguma forma, a cena musical de Recife, quiçá Pernambuco como um todo, está dividida em antes e depois de Chico Science?
RICARDO CHACON – Chico, sem dúvida, resgatou algo muito forte, principalmente nos músicos da nova geração. Não muito diferente das grandes cidades, surgiu um movimento muito forte de novos artistas com diversas linguagens, num primeiro momento seguindo o formato de banda com percussão de maracatu. Mas junto com ele veio Mundo Livre, Otto, Eddie, China. Não menos importante, temos a influência gigante de Alceu e Lenine, que também sempre estão por aqui. Pernambuco é realmente um estado em que a todo o momento surgem novas bandas, buscando o que Chico fez: criar uma música, uma identidade, uma batida que é nossa, com nosso sotaque. Hoje o experimentalismo e a psicodelia estão superando um pouco o uso das alfaias, que passaram a soar meio clichês. Também tem muitos grupos que tocam música instrumental, naquela linha mais de trilhas de filmes. Pensar no movimento mangue é pensar muito plural porque também impulsionou novos cineastas e designers, ou seja, realmente revolucionou. Desde lá, ainda não houve outro movimento que realmente tenha causado tanto impacto, mas continuam tentando. Enfim, esse nosso país continente e seus diversos estados e culturas e “personalidades”.
Chaka Nights, a banda / Foto: Tiago Calazans
DA – Somos um país que carece de vanguardas?
RICARDO CHACON – Fabrício, eu sinceramente acho que não. O que falta é espaço mesmo para essas vanguardas. Em algumas situações, também acho meio forçado alguns movimentos, repetições apenas do que já houve. Volta e meia, aparecem “novos baianos” (não necessariamente baianos), mas sem uma qualidade como os originais. A mídia e os espaços estão voltados para músicas de momento e de jabá. As rádios, que sempre foram canais de escoação de novas músicas, hoje estão também voltadas às músicas internacionais. O que resta ainda são festivais e editais. Mas como te falei, a mentalidade radical dos curadores em busca da “vanguarda” acaba por tirar a oportunidade de pessoas com talento em favor de outras que não são de verdade como aparentam ser. Não acredito que isso seja um problema apenas daqui de Pernambuco, onde muitas bandas e artistas bacabam desistindo de criar por falta de apoio. Se houvesse realmente uma política de incentivo que acabasse com a mamata que alguns têm de todo ano aprovarem algo, artistas e produtores viciados nesse esquema, outros que nunca tiveram acesso poderiam ter vez. Às vezes, ou melhor, muitas vezes, você até consegue fazer um disco, mas falta grana para uma divulgação, prensagem de cds, ou para fazer uma tour por algumas capitais. Hoje, os artistas autorais são verdadeiros heróis. Poucos mesmo ganham algo com sua arte, tendo que tocar na noite ou trabalhar no comércio, ou qualquer bico que aparecer. Nunca irei achar isso normal. Nosso país é desumano, as políticas públicas são logo corrompidas, sempre em favor de poucos. Quem já sabe como usufruir delas, não cede para os novos. E por isso nossa música está enfraquecida. Pouca coisa nova realmente aparece e tem continuidade muito por conta disso.
DA – Diante desse cenário, e como costumamos testemunhar o vaivém de ciclos, acredita que chegaremos num ponto no qual um novo e alternativo modelo possa surgir?
RICARDO CHACON – Como te falei, existem tentativas como foram o fora do eixo, coletivos, etc. As vanguardas sempre irão surgir ou, neste momento, estão acontecendo. Mas o mercado mudou, tudo caminha para novos modelos de distribuição dos discos, das músicas. Hoje é só jabá, muita grana para as assessorias caríssimas te divulgarem e pouca demanda, a não ser que a música toque numa novela da globo ou que a banda apareça em um dos seus programas. Mas às vezes nem é o que realmente almejamos. O que realmente queremos da música é podermos pagar nossas contas dignamente e ter apoio, sem cartas marcadas. Ou será que é só no futebol que acontecem os 7 a 1 da vida? Não, definitivamente.
DA – O fato de voltar a tocar na noite trouxe outros sentidos para sua carreira?
RICARDO CHACON – Eu, na verdade, sempre toquei na noite, foi a minha escola desde sempre. E assim toquei meus projetos paralelos, sem precisar de grana pública, principalmente durante a Nós4. Depois que a banda parou, em 2012, foquei no meu novo disco e busquei trabalhar mais nesse mercado, mas não tive apoio na minha cidade. Os festivais daqui não me deram espaço pelo preconceito. Preferiram artistas que forjam uma vanguarda, alguns até sem disco gravado, ao invés de valorizar o meu esforço e ouvirem meu trabalho, sem qualquer recalque. Por isso, em 2014, foquei em reconquistar meu espaço na noite pernambucana. Precisava voltar a ganhar dinheiro para pagar as contas. Mas a obra está aí. Quem sabe um dia irão ouvir melhor o Terra ou o Chaka Nights, sem qualquer preconceito porque não faço a linha vanguarda forçada. Sou de verdade.
DA – Há planos concretos para um possível retorno da Nós4?
RICARDO CHACON – Nada concreto, apenas sondagens.
DA – Muitos artistas, sobretudo os independentes, têm aderido à prática do crowdfunding como forma de bancar seus discos e projetos. Mais do que uma perspectiva de sobrevivência, essa realidade aponta para uma negação ao modelo imposto pela indústria fonográfica tradicional? Há muito mais por trás disso?
RICARDO CHACON – É um modelo interessante para quem tem um público ou para quem consegue de alguma forma mobilizar uma galera, principalmente através das redes sociais. Mas para a grande maioria é difícil mobilizar e arrecadar a quantia suficiente. Mas não deixa de ser uma alternativa de conseguir o recurso.
DA – No caminho que vai do homem ao artista Ricardo Chacon, quais sentidos melhor definem a música em sua vida?
RICARDO CHACON – Eu tenho plena ciência da minha escolha, de seguir esse caminho de incerteza, mas também de um prazer que nunca encontrarei fazendo outra coisa que não seja cantar e estar no palco. Neste caminho, a persistência e a paciência são extremamente importantes. Como te respondi certa vez, meu trabalho não para por aqui. Estarei sempre em busca de um aprendizado maior e da verdade no meu trabalho, mesmo que isso não signifique sucesso para os outros, mas para mim estarei realizado.
Veias, coração, desejos, legado. O trecho de Cuidado, faixa do oitavo álbum da Nação Zumbi parece sintetizar a capa e o sentimento presente no mais recente trabalho da banda. Vinte anos depois do icônico Da Lama Ao Caos (1994), o sexteto pernambucano afaga as cicatrizes deixadas pela prematura morte de seu idealizador Chico Science, em 1997, e lança um disco calcado nos primórdios do manguebeat. Com uma roupagem solar e dançante, Nação Zumbi (2014) traz 11 faixas inéditas, depois de um intervalo de 7 anos desde Fome de Tudo (2007) – hiato este marcado por projetos paralelos de seus integrantes, pelo lançamento do DVD Ao Vivo no Recife (2012) e do duelo Mundo Livre vs. Nação Zumbi (2013), no qual a trupe comandada por Fred 04 canta músicas do grupo de DuPeixe e vice-versa.
Produzido por Kassin e Berna Ceppas, o conceito do novo álbum parece inspirado na passionalidade narrativa de Nelson Rodrigues. Isso talvez explique a visceralidade que permeia toda a obra. A matriz manguebeat eternizada por Science é mantida, porém, vez ou outra, pop e rock se fundem de maneira exótica, o que pode causar certa estranheza aos fãs mais radicais, ávidos pelo compasso dos tambores. Como frisou o vocalista em uma entrevista, ‘é um caminho diferente para a mesma casa’. Distribuído pelo selo Natura Musical/SLAP (Som Livre), o trabalho está disponível em diversas plataformas digitais, incluindo o canal oficial da banda no YouTube. Todas as composições são assinadas por Jorge DuPeixe (vocais), Lúcio Maia (guitarra), Dengue (baixo), Pupillo (bateria) e pelos percussionistas Gilmar Bola 8 e Toca Ogan.
Nação Zumbi / Foto: Divulgação
Cicatriz, faixa de abertura e primeiro single do disco, fala das marcas estampadas na derme da nossa vida (fica bem desenhado só pra ser bem lembrado/risco do erro malvisto, malquisto e mau-olhado). Os versos crus de Bala Perdida relatam a fração de segundo que separa a vítima do sobrevivente (vi quando você passou/pra se esconder em outro alguém/senhora bala, me deixe passar/logo eu que sou pacífico/senhora bala, me dê licença/eu não sirvo pro seu destino não). Defeito Perfeito tem uma levada funk e os sempre potentes riffs das guitarras de Lúcio Maia. O Que Te Faz Rir ensina, entre outras coisas, a manter ‘a leveza num dia de cão’ e conta com os backing-vocals de Laya Lopes (cantora da banda cearense O Jardim das Horas) e de Lula Lira, filha de Science.
As três canções seguintes compõem o momento mais suave do álbum. A primeira delas é a ‘ciranda que não para’, A Melhor Hora da Praia, balada com arranjos de cordas e participação de uma onipresente Marisa Monte. A cereja do bolo (ou o caranguejo do mangue) fica a cargo da onírica Um Sonho (estão comendo o mundo/ pelas beiradas/roendo tudo/quase não sobra nada), onde DuPeixe empresta toda sua verve melódica, até então pouco explorada, para cantarolar sobre um doce devaneio. Os versos de Novas Auroras (feliz pelo que ainda não veio/saudades do que nem foi/esperando o melhor dos agoras/nem temos o antes e já queremos o depois) encerram o bloco analisando nossa insatisfação com o tempo, ou com o ‘Hoje, Amanhã e Depois’, parafraseando a canção de Futura (2005).
Se Nunca Te Vi (vivo na promessa de encontrar você/me perco na incerteza disso acontecer) aborda a busca por alguém idealizado, a intensa e belíssima Foi de Amor – já presente em shows da banda antes do lançamento do álbum, inclusive em sua apresentação na edição brasileira do Lollapalooza deste ano –, compara o amor a ‘uma droga mais que letal/quando não mata, aleija/faz esse temporal/não tem nem contraindicação/dependendo da dose/acelera e racha o coração’. As sirenes de Cuidado (quando você não ouve seus passos/você perde o chão) anunciam uma espécie de indie-rock preventivo que deságua na explosiva Pegando Fogo, encerrando o álbum com todo o amor e fúria dos mangue-boys.
É bonito de ver que, duas décadas depois, como profetiza Mateus Enter, faixa que abre Afrociberdelia (1996), o coletivo permanece ‘com Pernambuco embaixo dos pés e a mente na imensidão’, fazendo um som vibrante, renovado e sem síndrome de underground. E se ‘você dá um passo à frente e não está mais no mesmo lugar’, nada mais justo que todos os caminhos levem à Nação Zumbi.
Larissa Mendes é uma mangue-girl do oeste catarinense.
O ano era 1978. No Brasil, experimentava-se um cenário de ditadura ainda inglório e obtuso. Nem o que se convencionou chamar de “abertura lenta e gradual” serviria como motivo para amenizar o efeito altamente negativo que tal estado de coisas causou à nação. A cidade de Recife abrigava em seu seio tradicionalmente cultural um coletivo de seres impactados pelas vias da arte. Em seu microuniverso, pautado por uma expressão marcantemente libertária, a trupe do cabaré “Chão de Estrelas” afirmava-se como sendo muito mais do que um espaço de expressão artística.
Comandados por Clécio Wanderley, personagem vivido por Irandhir Santos, os artistas daquele espaço ousavam ser algo além do seu ofício natural. Com seus espetáculos críticos e sarcásticos, intentavam resistir a um tempo no qual as liberdades individuais há muito estavam minadas. Diga-se de passagem, essa noção de liberdade possui uma dimensão especial, pois vai tocar no delicado terreno das amarras do corpo e da mente.
Olhando por esse prisma inicial, Tatuagem até poderia aparentar ser um filme motivado pelas torpezas da ditadura militar oriunda do Golpe de 1964. Mas logo fica claro que esse não é o mote da obra. O período negro de nossa história é mero coadjuvante diante da necessidade que a produção traz de evocar a temática da liberdade em sua acepção mais vasta possível. A um só tempo, o filme engendra temas complexos como homossexualidade, amor, crítica social e política, dentre outros.
O romance que se estabelece entre Clécio e Fininha (interpretado por Jesuíta Barbosa) opera aproximações entre dois mundos fundamentalmente opostos. Enquanto Clécio representa um símbolo de irreverência e contestação, utilizando-as como ferramentas de difusão artística, Fininha, um jovem soldado do exército, traduz um universo até certo ponto pueril, cuja inocência aponta para a afirmação de suas descobertas pessoais em meio aos primeiros passos da fase adulta. Quando se encontram pela primeira vez, os dois correspondem à paixão numa fluidez de entrega que só respeita à lei do desejo irrefreável. A questão da homossexualidade é muito mais uma aspiração libertária e genuína do que qualquer outra coisa. Longe de trabalhar com rótulos, o filme explora a relação de amor entre dois homens da forma mais natural possível, sem levantar inúteis tensões de gênero.
Fininha e Clécio em cena de Tatuagem / Foto: divulgação
De modo especial, Tatuagem é uma obra que se impõe pelo seu caráter fortemente teatral. Assim, os espetáculos do “Chão de Estrelas” parecem transbordar para o mundo circundante, instaurando uma estética muito voltada para os apelos da representação. Nesse ínterim, vida e arte se confundem e proporcionam a compreensão de mundos através duma atitude encenada da existência. E o que parece favorecer esse ambiente de criações é justamente o espírito de comunidade que permeava a trajetória do grupo. Todos eles moravam num mesmo casarão do Recife, compartilhando os territórios de uma verdadeira república das artes.
Dirigido por Hilton Lacerda, a obra merece destaque por enaltecer o saber e o sabor da experiência coletiva das sensações. Os movimentos de câmera são soltos e mergulham nos ambientes de forma a conferir um sentido de naturalidade aos cenários abordados. A própria câmera, ao flagrar as ações teatralizadas, deixa de ser um corpo estranho e invasivo para se tornar um componente intrínseco da obra. E é justamente nesse ponto que Tatuagem revela um comportamento híbrido quando propõe uma valiosa interposição entre teatro e cinema. O resultado dessa zona de convergência aparece muito bem pontuado pela forma como a narrativa, nalguns momentos, é dividida em esquetes.
Outro ponto forte do filme é a utilização do corpo como instrumento máximo de representação, seja sob a forma de resistir à ordem sócio-política do contexto, seja na afirmação das potencialidades de construção dos diálogos da arte. As apresentações do “Chão de Estrelas” serviam como um painel vivo para as expressões corporais de seus artistas, sobretudo porque simbolizavam um rico cenário de expansão da consciência. Para os membros da trupe, o ato de estar no palco significava ir mais além duma aparição exaustivamente ensaiada. Servia também como uma perspectiva de integração ao mundo através de um prisma notadamente ideológico. Tudo isso bem longe de qualquer atitude panfletária.
A trupe do Chão de Estrelas em ação / Foto: divulgação
Por se tratar de uma produção na qual a expressão teatral é traço abundante, era de se esperar que o trabalho do elenco tomasse o centro das atenções. E isso ocorre com a maioria dos atores. No entanto, é impossível não mencionar as destacadas atuações de Irandhir Santos e Jesuíta Barbosa, na pele de protagonistas cujas sinas pessoais sustentam densamente os polos de tensão principal da história. Outro ator que se destaca por sua relevante aparição é Rodrigo García, ao encarnar o espalhafatoso personagem Paulete.
Com seu enredar de delicadezas, Tatuagem é uma obra atemporal, sobretudo porque privilegia o exercício ativo e consistente do pensamento. Dentro de nós, é bem provável que tenhamos alguma dificuldade em saber lidar com toda a vastidão de um horizonte que sempre se delineia complexo, o da liberdade. E isso o filme nos lembra a todo o tempo. Então, resta a pergunta: se marcadas a ferro e fogo, até onde nos levam nossas aspirações e desejos?
Em que ponto de nossas existências é possível atravessar as situações sem que nelas deixemos vestígios? Como entender a nossa quase incapacidade de ouvirmos genuinamente a nós mesmos? Certamente, são indagações por demais complexas que atendem tanto a demandas externas quanto as que derivam dum processo consciente. O exercício da individualidade frequentemente encontra obstáculos, sobretudo quando o horizonte a ser vislumbrado reflete intervenções paralelas e, ao mesmo tempo, alheias à nossa vontade.
Tal sensação parece também costurar a narrativa de um filme como O Som ao redor. Com um olhar sobre a rotina de um bairro de classe média de Recife, o diretor Kleber Mendonça Filho expõe muito mais do que uma mera sucessão dos dias na vida de seus moradores, fazendo-nos perceber o quanto estamos imersos num fluxo de eventos paralelos com os quais dialogamos impensadamente. Aos poucos, uma infinidade de sons, que normalmente são pano de fundo da realidade acostumada, aparecem propositalmente evidenciados. Barulhos de construção, de carros, pessoas a gritar, latidos de cachorro, ruídos de eletrodomésticos, dentre outros tantos, configuram uma sinfonia que mais caminha para a dispersão do que qualquer outra coisa.
A incapacidade humana e urbana de concentração, dada a variedade de coisas que nos abraçam incessantemente, aparece elevada à enésima potência. E isso tanto pode estar no plano meramente sonoro como também na forma como interagimos com o outro. Daí, também, pensarmos na questão da alteridade dentro de um mosaico de cenários que permeiam o cotidiano de quem quer que seja.
São muitos os objetos de interferência que passam despercebidos com frequência, banalizados que estão pela força da repetição. Com notória habilidade, o filme pinça os recortes da rotina sem insinuar vanguardismos estéticos. Basta amplificarmos a orquestração dos sons que estão no mundo para percebermos que, involuntariamente, dialogamos com o externo, o alheio. Ao mesmo tempo, o crescimento desordenado da grande cidade deixa claro que a grande presa do progresso continua sendo o próprio homem, na medida em que amarra, em nós bem cegos, a possibilidade de achar-se livre de fato.
Mesmo se tratando de um cenário ambientado em Recife, mais precisamente no bairro onde o diretor mora, o filme abarca sentimentos e características bem peculiares a qualquer cidade do país e quiçá do mundo. A valorização de uma cultura local com seus usos e costumes não aponta para um cinema que mira o próprio umbigo. Ao passo que expõe os efeitos descontrolados da urbanidade, é capaz de redimensionar seu foco para uma gama de assuntos comuns a um país de proporções continentais como o nosso.
Cena de O Som ao redor / Foto: Divulgação
O patriarca Francisco, personagem interpretado por W. J. Solha, é algo contundente quando assinala uma transição de uma sociedade originalmente agrária e que agora demarca seus territórios em pleno panorama desordenado duma metrópole em crescimento. O latifúndio aqui é o do concreto, principalmente porque, em meio a um mercado imobiliário predatório, Francisco detém uma quantidade significativa dos imóveis do bairro em questão. Mesmo assim, as memórias flutuam na trajetória desse personagem, sobretudo quando as lembranças apontam para um ambiente rural que não mais existe em sua magnitude histórica. A passagem dos engenhos para a selva de pedra pernambucana também não apaga a manutenção das relações de poder. Assim, patrões e empregados continuam protagonizando uma secular dissonância de expectativas e desejos.
O contrário de O som ao redor é o silêncio. E este, se pensarmos numa perspectiva de provocação, pode gerar mais incômodos do que supomos, principalmente se levarmos em conta a ausência do alheio e, por conseguinte, a duríssima condição de nos encerrarmos em nós mesmos. Nesse sentido, quem resistiria à presença teimosa de um silêncio pleno, cujos embates propostos fossem apenas os da consciência? Mesmo não tendo a onisciência precisa de tudo o que nos rodeia, é possível imaginar que a inexistência absoluta dos sons externos produziria, por si só, um efeito capaz de dimensionar o quanto somos curiosamente dependentes da tresloucada sinfonia de uma rotina urbana.
Recife é algo recorrente na filmografia de Kleber Mendonça Filho, cineasta cujas marcas apontam para um cinema autoral e orgânico. Ao mesmo tempo em que critica o tecido sócio-econômico que atravessa a cidade, o diretor também deixa entrever a sua paixão por ela. Isso acontece em Recife Frio, por exemplo, filme que, ao submeter a capital pernambucana a um inexplicável e incessante inverno, acaba pondo em xeque toda a forma de pensar de uma sociedade, notadamente gerando reflexos do ponto de vista comportamental.
A quem verdadeiramente interessaria um cinema que se volta para o exercício do senso crítico e dum olhar mais aprofundado da realidade? Parece uma indagação pertinente se considerarmos que, mesmo tendo sido exibido e aclamado em diversos festivais dentro e fora do país, O Som ao redor ficou restrito a parcas salas de exibição no contexto nacional.
Mesmo engendrando discussões complexas, a obra não enaltece posições ideológicas inflamadas. Aos poucos, envolvidos que estamos por ruídos de toda ordem, somos tomados pelo reconhecimento de coisas que, estranhamente e pela via cíclica, são íntimas de todos nós. Se, como diz Chico Buarque numa de suas canções, a dor da gente não sai no jornal, imaginemos só como o turbilhão do cotidiano por vezes aniquila toda e qualquer tentativa de dar sobrevida à pessoalidade. O tempo dirá se soubemos resistir.
